Was hört Ihr gerade jetzt? (Klassik !!!)

Und ich habe meiner Sammlung noch ein kleines Bruckner Paket hinzugefügt:



34 Stunden Bruckner. Die Sammlung spannt mit Rattle, Furtwängler, Eliahu Inbal, Celibidache, Barenboim, Jochum, Masur und Harnoncourt einen großen Bogen durch die Sinfonien, aber auch Messen.

Die #7 ist mit Barenboim, Furtwängler und Kurt Masur dabei. Auf Masur freue ich mich besonders, und der Furtwängler ist ein schöner Vergleich.

Masur mit dem New York Philharmonic muss wohl eine besondere Liaison gewesen sein, die dem Orchester nach Jahren des Niedergangs neues Leben einhauchte. Masur startete seine zweite Karriere nach der ostdeutschen Gewandhaus-Zeit.
Aber Bruckners #7 ertrinkt geradezu in Schönklang (und ja, es klingt deutlich für mich deutlich schöner als die Reference Recording von Honeck), an den messerscharfen Fortissimo-Passagen kommt dann aber leider nur ein laues Lüftchen. Hier darf der Schönklang dann auch nicht gestört werden. Schade.

Was Besonderes ist die Bruckner #9 mit Harnoncourt. Zupackend, mitreissend, wie Harnoncourt sein kann, eine sehr gut klingende Surround-SACD und mit ausführlichem gesprochenem Kommentarteil (60 Minuten) zu Bruckner allgemein und dem fehlenden 4. Satz der Neunten.

Mars_22 (Beitrag #32123) schrieb:

Ich habe von Wand die #7 nicht für den Vergleich, sondern von Thielemann, Gielen, Haitink mit dem RCO und Harnoncourt.

Hochinteressante Auswahl, da ziemlich konträre Grundverständnisse. Die weiter unten vorgestellte Haitink-Box habe ich mir mal vorgemerkt. Wobei sich der mit den BR-Symphonikern selbst Konkurrenz macht. Beide GAs sind mir unbekannt, da werde ich zunächst mal vergleichshören.

Mars_22 schrieb:

Ich stelle wieder fest, Honecks Version geht nicht an mich. Ich kann und will das nicht der Interpretation oder Tempomodulation anlasten, ich mag schon vorher nicht, wie das an den Ohren klebt, als hätte ich lauwarme Peanutbutter im Kopfhörer. Wahrscheinlich extrem kleine Besetzung extrem nah und hallfrei mikrofoniert.

Deinen Vergleich mit klebriger Erdnussbutter kann ich nachvollziehen und bestätigen. Zur Art der Mikrofonierung lässt sich wohl nichts ergründen. Die Besetzung ist im Booklet aufgeführt und jedenfalls eher groß als extrem klein: Die Bläsersektionen lassen sich nicht minimieren, da allesamt solistisch, aber die Streicher sind mit 17/13/10/11/9 für europäische Verhältnisse riesig besetzt. In Deutschland können das ohne Aushilfen nur die ganz großen Orchester aus Berlin, Leipzig oder Dresden besetzen. Auch hier lässt sich übrigens die amerikanische Vorliebe für "Badewannen"-Frequenzgänge ablesen: Die Mitte mit 2. Geigen und Bratschen ist ausgedünnt. (Böse Zungen behaupten, Bratschen produzierten ohnehin nur Störgeräusche und seien daher entbehrlich... )

Mars_22 (Beitrag #32124) schrieb:

Ach, Harnoncourt. Mein Bach-Held enttäuscht mal wieder nicht. Hier passt für mich (als Nichtkenner) alles zusammen. So kann ich Bruckner genießen.

Läuft bei mir gerade. Spielzeitdifferenz zu Honeck: 6:45 Minuten. Schlank, schnörkellos, agil, zielstrebig - schön!
Ich habe die Wiener Live-Aufnahme in dieser kleinen Schachtel:



Anton Bruckner: Sinfonien Nr. 3, 4, 7, 8
RCO (3+4), Wien PO (7), Berlin PO (8), Nikolaus Harnoncourt / RCA/BMG, live 1994-2000

Mars_22 schrieb:

Keine Ahnung, warum ich diese Aufnahme noch nie gehört habe, obwohl ich sie habe. Wahrscheinlich weil kein Mensch von Harnoncourt redet. Harnoncourt mit den Wienern live im Musikverein, 1999.

Wenn du "Gerede über Harnoncourt" hören willst, solltest du vermutlich mal bei den Taminos hineinlesen. Alles, was aus Wien kommt, gilt dort per se als unübertroffen meisterhafte Kunst.

(EDIT: Ein paar Sekunden zu spät gepostet. Mit folgendem trage ich offenbar Eulen nach Athen...)

Und von Harnoncourts Bruckner möchte ich dir diese Neunte nahelagen, ebenfalls live mit den Wienern:



Die kommt zwar nicht von seinem Hauslabel Teldec/Warner und ist klanglich eine Spur wärmer abgestimmt, aber interpretatorisch geht sie in dieselbe Richtung wie die 7 (also ziemlich entgegengesetzt zu Deutungen Thielemanns, Barenboims oder Giulinis) und kann - von mir - uneingeschränkt empfohlen werden. Neben dem Konzertmitschnitt auf SACD liegt auf einer Bonus-CD eine Live-Doku zu den überlieferten Skizzen des Finalsatzes bei. Harnoncourt erliegt nicht der Versuchung, den Torso mit Gewalt und reichlich körperfremder DNA irgendwie zu einem vollständigen Ganzen zusammenzupuzzeln. Es geht ihm vielmehr um die musikalische Vorstellung und aufschlussreiche Bewertung vorhandener Bruchstücke. Gelungen.

Torrente

Nein, ich brauche kein Gerede über Harnoncourt, ich halte gut aus, etwas zu lieben was nicht Tagesgespräch ist. Aber es freut mich dass du dasselbe an ihm schätzt wie ich

Schöne kleine 4-CD Box bei dir, aus der ich die 3+4 mit dem RCO auch habe.

Mars_22 (Beitrag #32129) schrieb:

(...) es freut mich dass du dasselbe an ihm schätzt wie ich

Dito.

Now for something completely different:



Anton Bruckner: Sinfonie Nr. 7 E-Dur
NDR-Sinfonieorchester, Günter Wand / RCA/BMG, Live März 1992

Günter Wands Konzertmitschnitt aus der Hamburger Laeiszhalle würde ich musikalisch verorten zwischen der berühmten Kölner Studioaufnahme, die immer recht analytisch und etwas kalt klingt, dabei forsch zur Sache kommt, und der späten, abgeklärten Live-Aufnahme aus der Berliner Philharmonie.
Klangsatt, natürlich, viel wärmer timbriert als Honeck und Harnoncourt. Da fühle ich mich sofort zuhause, nicht nur des Dirgenten sondern auch der Vertrautheit des Saal- und Orchesterklangs wegen. Insgesamt vielleicht keine CD für den Olymp, aber für den Einstieg in Bruckners Sinfonik eine gute Wahl.

Torrente

Mars_22 (Beitrag #32123) schrieb:

wie das an den Ohren klebt, als hätte ich lauwarme Peanutbutter im Kopfhörer. Wahrscheinlich extrem kleine Besetzung extrem nah und hallfrei mikrofoniert.

Honeck nehme ich auch eher ambivalent wahr. Großartig und mediocre scheinen bei ihm nah beieinander zu liegen. Hallfreie Mikrofonierung sollte aber alles bewirken, nur kein coloriertes Verschmelzen. Eher dürfte diese jeden instrumentalen Fehler - oder Nuancen davon - auf dem Serviertablett präsentieren, da dann der Nachhall fehlt. Nun denn, diese Aufnahme kenne ich nicht. Nach euren Einschätzungen spare ich mir das Geld lieber für etwas anderes.

G.S.Torrente (Beitrag #32128) schrieb:

(Böse Zungen behaupten, Bratschen produzierten ohnehin nur Störgeräusche und seien daher entbehrlich... )

Ich mag sie. Aber seit Erfindung der CD sind Bratschen kaum noch hörbar, da sie ständig rausgeschnitten werden.

Je nun, Honecks Bruckner #9 finde ich garnicht schlecht, vielleicht ist die #7 ein Ausreißer.

Bruckner #7 @Wand: Ein Freund, dessen Musikkenntnisse ich gerne hätte, schwört auch immer wieder auf Wand. Die #4, #5 und die #9, die ich mit Wand habe, haben keinen so bleibenden Eindruck hinterlassen, wobei ich nur bei der Kölner 5 dem kühlen Klang mitverantwortlich machen kann. Forsch ist die auch, aber das gefällt mir. Sonst fehlt mir die Analysefähigkeit. Die Berliner #7 würde mich reizen, als Alternative zu Harnoncourt.
Bei mir läuft aber gerade die Karajan #5 und überrascht mich positiv, wie auch seine #7. vielleicht etwas getragen, aber nicht unangenehm.!

Hüb' (Beitrag #21766) schrieb:

Exzellent gespielt und aufgenommen, ermöglicht diese (SA-)CD einen alternativen Blick auf zwei Streichquartette Schostakowitschs (Nr. 3 + Nr. 4), orchestriert von Rudolf Barshai, der diese Werke in den 90zigern mal für die DG aufnahm (siehe Bild unten). Die Wiedergaben durch das niederländische The re:orchestra und Leitung von Roberto Beltrán-Zavala sind glutvoll-leidenschaftlich und bringen die Werke IMHO bestens zu Gehör. Pressetext schrieb: Die beiden hier eingespielten »Kammersymphonien« sind im Original zwei der hoch geschätzten Streichquartette des Meisters, mit Zustimmung desselben für Orchester arrangiert von Rudolf Barshai, den als Mitglied des Borodin Quartetts eine lange Zusammenarbeit mit Schostakowitsch verband.

Der hintergründig recherchierten (danke für die Barshai-Aufdeckung) Einschätzung von Frank kann ich mich vollauf anschließen.
Es wird fulminant, perfekt und durch eine audiophile Aufnahme eingefangen aufgespielt, dass es eine Freude ist. Die Kammersinfonie opus 73a vermittelt volldynamische Divertimenti. Die Suite of Romanian Melodies dagegen könnte dagegen ein versteckter Hinweis auf die mangelnde Reisefreiheit im Ostblock gewesen sein: in meinen Ohren sind diese deutlich orientalisch geprägt. Die Kammersinfonie opus 83a nimmt sich gegenüber der mitreißend-dynamischen 73a deutlich zurück und enthält landschaftliche Setzungen, die sogar eine gelegentliche Nachbarschaft zu Grieg anklingen lassen. In der Folge jedoch wieder deutlich als solche erkennbare perkussive und die Hörenden überraschende Einsätze, Schostakowitsch-Sequenzen, die dann wieder zurückgenommen werden. Dramatisch.

Eine auch für Bratschenfreunde hochgeeignete Einspielung, es wird nichts unterschlagen.

Beim Durchhören meiner Harnoncourt-Aufnahmen stieß ich auf das hier:



Brahms zweites Klavierkonzert, Rudolf Buchbinder, Harnoncourt und das RCO Amsterdam.

Das überraschte mich nachhaltig. Nicht der erste Satz, der hebt sich nicht ab von Anderen. Überraschend ist vor allem das Allegro Appassionato, und zwar wegen dem Dirigat Harnoncourts. Das dichte, mehr rhythmische als melodiöse "Reagieren" auf den Klavierpart habe ich so noch nirgends gehört. Als würde das Klavier sprechen und das Orchester mit fordernden Ausrufen nach mehr verlangen. Das Orchester pusht den Pianisten, eine Atmosphäre von Atemlosigkeit entsteht.
Der vierte Satz wird sehr schnell gespielt, deutlich schneller als ich das sonst kenne. Auch hier ist es die enge Verzahnung von Klavier und Orchester die besonders gefällt. Allerdings gibt es gegen Ende ein paar Stellen, in denen sich der Pianist etwas verhaspelt.
Übrigens spielt Harnoncourt die bekannte Cello-Sequenz im langsamen Satz wohl selbst.

op111 (Beitrag #32121) schrieb:

...Etwas für Roshdestwenskij-Fans. Leider kann die 1968er Aufnahme mit dem USSR State TV and Radio Symphony Orchestra auch wg. des Orchesters nicht mit denen der anderen beiden Sinfonien mithalten. Die Sinfonien liegen in späteren, besseren Digitalaufnahmen mit noch größerer Dynamik vor. Die sind nichts für empfindliche Mitbewohner. Die o.gen. Haitinkaufnahme dürfte dagegen noch moderat erscheinen. Fun fact: Bela Bartok entlehnte das Zitat des Lehar-Themas aus der 7. im Konzert für Orchester ohne anfangs zu wissen, daß es selbst ein grimmiges Zitat darstellt...

Danke für die "Warnungen" bzgl. Roschdestwenski/Schosta 8 und 9 und den Fun fact

Ich war gestern von der hier geflasht:


Sehr(!) lebendig dargebotene, so im Schnitt 300 Jahre alte (OK, ein Komponist aus dem 20. Jh. ist auch mit dabei :)), Musik mit meiner Meinung nach überragendem Klang; sowohl Instrumentalmusik als auch mit Gesang; viele barocke Elemente, aber eben "anders" als barocke Kammermusik wie ich sie kenne; feuriger, rhythmischer, weniger "gestelzt".
Die Komponisten (Benedetto Marcello (1686-1739), Jean-Baptiste Barriere (1707-1747), Juan Frances De Iribarren (1699-1767), Francesco Maria Veracini (1690-1768) , Anonymus, Santiago de Murcia (1682-1732), Jean Baptiste Canavas (1713-1784), Tarquinio Merula (1590-1665), Nestor Fabian Cortes Garzon (2. Hälfte 20.Jahrhundert)) sagen mir alle gar nichts. Das ich sogar mal Blockflöte (erstes Stück) richtig gut finden könnte, hätte ich vorher auch nicht gedacht.

Fun fact: nach den ersten beiden Stücken dachte ich so bei mir - naja, klingt schon saugut, ist aber irgendwie ein bißchen angepopt. Lt. Booklet (gut gemacht und informativ, finde ich) wohl aber eher nach HIP gespielt.

Das wird bei mir wohl nicht die einzige CD des Ensembles Los Temperamentos bleiben (hoffentlich sind die alle so gut aufgenommen); mir bringen die richtig Spass.

Viele Grüße
bolt

André George Louis Onslow, dem eine Nähe zu Beethoven nachgesagt wird, erklingt hier eher sehr wohltemperiert (und -dosiert). Fast schon behutsam kommt das kammermusikalische Blaswerk Quintet opus 81 daher. Darin meine ich eher einen "wienerisch klassifizierten Bach" zu entdecken. Jedoch ist dies kaum eine dem Komponisten gerecht werdende Assoziation. Die Eigenständigkeit möchte ich ihm nicht abzusprechen versuchen.

Stilistisch wie formal erkennt man in Onslows Werken deutliche Bezüge zur Wiener Klassik, besonders zu Beethoven. Seine Werke zeichnen sich durch vollendete Formschönheit und gewandte Kontrapunktik aus. Onslow ist der wichtigste Kammermusik-Komponist Frankreichs in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Wikipedia

Weiter geht's mit einer sehr empfehlenswerten Einpielung von Schuberts Sinfonien 7 und 8 oder anders - jedenfalls die "Unvollendete" und die "Große Sinfonie in C-Dur" von Marek Janowski mit der Dresdner Philharmonie.

Ein gelungener Wurf - weniger Sturm und Drang als Nott mit den Bambergern, aber dafür viel Autorität und Souveränität sowie eine zwischenzeitliche Besinnung, die Andere bei Schubert nicht aufkeimen lassen. Janowski ist imo ein Ausnahmekönner, der zur Genüge bewiesen hat, dass er seinen orchestralen Klangkörpern Hervorragendes entlockt. So auf alle Fälle hiermit. Im Moment läuft noch die "Unvollendete", die "Große" hiernach.

Richard Strauss (1864-1949)
Hornkonzerte Nr. 1 & 2
Peter Damm, Staatskapelle Dresden, Rudolf Kempe
EMI/ Warner, 1975

Richard Strauss’ Hornkonzerte sind ja so etwas wie eine Liebeserklärung an das Instrument – und bei dieser Aufnahme mit Peter Damm, Rudolf Kempe und der Staatskapelle Dresden bekommt man das Gefühl, der Komponist habe sie genau für diese Konstellation im Sinn gehabt. Damm spielt mit einer Mischung aus nobler Eleganz und kernigem Strahlen, die sofort in den Bann zieht: das Horn klingt nie schwerfällig, sondern biegsam, charmant und manchmal fast keck. Gerade im ersten Konzert mit seiner jugendlich-straußigen Spielfreude wirkt das, als würde Damm das Horn zum Singen und Tanzen bringen.

Kempe und die Dresdner tragen ihn dabei auf Samt – die Begleitung ist ungemein geschmeidig, dabei detailreich und farbig. Man merkt, wie sehr dieses Orchester mit Strauss’ Klangsprache verwachsen ist: Holzbläserfarben glimmen, die Streicher legen ein seidiges Fundament, und die Tutti-Passagen haben etwas leuchtend Breitwandiges, ohne dass das Horn jemals erdrückt würde.

Im zweiten Konzert, dem späten Alterswerk, wirkt alles gereifter, zurückgenommener, aber nicht minder ausdrucksstark. Damm phrasiert hier noch kantabler, das Horn wirkt lyrischer, fast nach innen gekehrt – ein schöner Kontrast zum ersten Konzert. Kempe gestaltet das Ganze mit einer großen Ruhe, die die Musik in ihrer pastoralen, leicht melancholischen Stimmung wunderbar trägt.

Die EMI-Produktion hat zudem genau diesen typischen, warmen Analogsound der 1970er, der wunderbar zu Strauss passt. Die Dresdner Staatskapelle klingt satt und räumlich, ohne übertriebene Studioeffekte – man hat wirklich das Gefühl, im Saal zu sitzen. Das Horn ist schön präsent eingefangen, nie aufdringlich, sondern organisch in den Orchesterklang eingebettet. Manchmal merkt man, dass die Höhen nicht ganz so brillant glitzern wie bei heutigen Digitalaufnahmen, dafür gibt es diese angenehme Rundung, die dem Ganzen eine fast schon goldene Patina verleiht. Gerade bei Strauss, wo es leicht zu grell und dick werden kann, wirkt das wie ein zusätzlicher Bonus: die Musik atmet, bleibt transparent und hat dabei doch Wärme und Tiefe.

Immer noch eine relevante Aufnahme und ein großes Hörvergnügen.

Viele Grüße
Frank

Antonin Dvorak (1841-1904)
Der Wassermann op. 107; Scherzo capriccioso op. 66
London Symphony Orchestra, Istvan Kertesz
Decca, 1963, 1972

Wenn man Dvořáks sinfonische Dichtungen hört, merkt man schnell, dass er ein Geschichtenerzähler war, und genau das kommt bei Kertész und dem London Symphony Orchestra wunderbar zur Geltung. In Der Wassermann op. 107 entfaltet sich eine düstere, fast märchenhaft-bedrohliche Klangwelt, die zwischen folkloristischer Tanzlust und tiefer Tragik schwankt. Kertész nimmt die düsteren Farben ernst, ohne sie zu überziehen: die Streicher haben etwas Herbes, das Blech ist markant, aber nicht lärmend, und das Ganze bleibt erzählerisch flüssig. Man hat das Gefühl, die unheimliche Gestalt aus der Ballade Viktor Dykas wirklich aus den Tiefen des Wassers auftauchen zu sehen.

Das Scherzo capriccioso op. 66 dagegen zeigt die andere Seite Dvořáks: hier ist mehr Leichtigkeit, fast schon eine Art veredelter Tanz. Das London Symphony Orchestra klingt hier federnd, die Holzbläser tänzeln charmant durch die Partitur, und Kertész sorgt dafür, dass die rhythmischen Finessen nicht im Gleichmaß untergehen, sondern stets einen kleinen Hauch Überraschung behalten. Gerade die Balance zwischen Eleganz und volkstümlicher Bodenhaftung macht die Aufnahme so attraktiv – man hört die böhmische Herkunft Dvořáks, aber durch die Brille eines großen europäischen Sinfonikers.

Decca hat das Ganze in der damals typischen Klarheit eingefangen: warm, transparent und mit genug Raum, dass man die feinen Details der Orchesterfarben genießen kann. Im Ergebnis entstehen zwei Interpretationen, die sowohl erzählerisch packen als auch musikalisch glänzen – große Dvořák-Momente, die bis heute frisch wirken und überzeugen. Hinzu kommt, dass diese Werke weder auf dem täglichen "Speiseplan" der Spielstätten stehen, noch jüngst häufig eingespielt werden (wenn überhaupt als "Beifang").

EDIT: Etwas zurückgerudert...



Viele Grüße
Frank

Ich komme noch mal auf Brahms - KK2 - Buchbinder/Harnoncourt zurück:

Mars_22 (Beitrag #32134) schrieb:

Beim Durchhören meiner Harnoncourt-Aufnahmen stieß ich auf das hier: Brahms zweites Klavierkonzert, Rudolf Buchbinder, Harnoncourt und das RCO Amsterdam. Das überraschte mich nachhaltig. Nicht der erste Satz, der hebt sich nicht ab von Anderen. Überraschend ist vor allem das Allegro Appassionato, und zwar wegen dem Dirigat Harnoncourts. Das dichte, mehr rhythmische als melodiöse "Reagieren" auf den Klavierpart habe ich so noch nirgends gehört. Als würde das Klavier sprechen und das Orchester mit fordernden Ausrufen nach mehr verlangen. Das Orchester pusht den Pianisten, eine Atmosphäre von Atemlosigkeit entsteht. Der vierte Satz wird sehr schnell gespielt, deutlich schneller als ich das sonst kenne. Auch hier ist es die enge Verzahnung von Klavier und Orchester die besonders gefällt. Allerdings gibt es gegen Ende ein paar Stellen, in denen sich der Pianist etwas verhaspelt. Übrigens spielt Harnoncourt die bekannte Cello-Sequenz im langsamen Satz wohl selbst.

Danke für die Anregung! Da ich das 2. Konzert eher selten höre, verglichen mit dem ersten und dem VK, war mir die Aufnahme nicht präsent genug. Gerade mal nachgehört, aus dieser kleinen Schachtel:



Johannes Brahms: Symphonies, Piano Concertos, Overtures, Haydn Variations
Rudolf Buchbinder, Berlin PO (Sinfonien, Ouvertüren, Var.), RCO Amsterdam (KK 1+2), Nikolaus Harnoncourt; Parlophone/Warner, Live 1996/97 & 1999/2000

Spannend! Oft ist Harnoncourt missverstanden worden als jemand, der der Wiener Klassik und Romantik die museale Perücke (der Alten Musik, des Barock) überstülpen wollte. Was du für den 2. Satz des KK2 beschreibst, ist ja ein Aspekt, für den sich Harnoncourt lebenslang eingesetzt hat: das Wiedergewinnen der alten Meisterschaft dialogisierenden Musizierens, indem er sich aus alten musiktheoretischen Quellen (z.B. Johann Mattheson u.v.a.) eine Art musikalischer Rhetorik erarbeitet und zum Leben erweckt hat, die über das in der Partitur stehende hinausreicht, die über Musikergenerationen hinweg als eine Grundlage gelehrt wurde, entsprechend tief verwurzelt war und dennoch in Vergessenheit geriet. Leider erlebe ich allzuoft (v.a. im Konzert), dass ein Musiker nicht bereit ist zuzuhören, was ihm der jeweilige "Dialogpartner" serviert, sei es der Solist, ein Stimmführer oder auch der Dirigent, und stattdessen plump seine eigenen Vorstellungen präsentiert. Daraus kann weder lebendiges, schlüssiges Musizieren noch eine wirkliche Einheit erwachsen, es bleibt eine Ansammlung unvereinbarer Versatzstücke.

Ja, im Allegro appassionato findet in idealer Weise ein musikalischer Dialog statt, nicht nur einseitig vom Orchester und Dirigenten ausgehend, sondern meines Erachtens trägt Buchbinder seinen Teil dazu bei. Und so detailreich. Gleich in der Eröffnungskadenz lässt Harnoncourt herrlich weiche Akzente setzen, um sie elegant federnd ausklingen zu lassen. Solche Details faszinieren mich, wo andere plump drüber hinweg gehen. Auch der langsame Satz gefällt durch sorgfältige Gestaltung und einfühlsame Begleitung. Das Rondo-Finale wirkt auf mich hingegen gehetzt, verhuscht, etwas oberflächlich. Dadurch verliert es das Tänzerische und Luftige. Hab ich so noch nicht gehört. Die Darstellung des Rondos widerstrebt mir, ehrlich gesagt. Was soll's, die perfekte Aufnahme gibt es nicht, etliche sind immerhin nah dran.


Torrente

Eine äußerst leichtfüßige, sehr variable sowie - natürlich - virtuose Klaviereinspielung destinierter Beethovensonaten kommt von Swjatoslaw Teofilowitsch Richter. Die Praga Digitals-Veröffentlichung "Richter Edition" gibt nach meiner Wahrnehmung besonders empfindsame Seiten des Komponisten preis. Eine herausragende Aufnahme zum Erinnern und Wiederhören.

Anton Bruckner (1824-1896)
Symphonie Nr. 7
Chicago Symphony Orchestra, Bernard Haitink
CSO, 2007

Die 7. Symphonie von Anton Bruckner zählt zu den bedeutendsten Werken der sinfonischen Romantik. Sie ist bekannt für ihre weiten Klanglandschaften und majestätische Feierlichkeit. Bernard Haitink, ein Dirigent, der für seine Seriosität und Bescheidenheit bekannt war, hat sich im Laufe seiner Karriere mehrfach intensiv mit Bruckners Werk auseinandergesetzt. Seine Aufnahme der 7. Symphonie mit dem Chicago Symphony Orchestra aus dem Jahr 2006 ist ein bemerkenswertes Beispiel für seine Herangehensweise.

Haitinks Chicago-Einspielung zeichnet sich durch ihre Klarheit und strukturelle Integrität aus. Hier gibt es keine übertriebenen Effekte; der Fokus liegt ganz auf der Musik selbst. Man spürt, dass Haitink die Partitur genau studiert hat und jede musikalische Linie respektiert. Das Chicago Symphony Orchestra spielt mit beeindruckender Präzision und einem satten, warmen Klang, der besonders im langsamen Satz, dem Adagio, zur Geltung kommt. Dieses Adagio, oft als Requiem für Richard Wagner interpretiert, wird von Haitink nicht überladen sentimental, sondern mit einer tiefen, ehrlichen Würde gespielt. Die Bronze-Tuba, die Bruckner hier erstmals einsetzt, verleiht dem Stück eine besondere klangliche Tiefe. Haitink lässt die musikalischen Bögen sich organisch entfalten, was zu einer Interpretation führt, die trotz ihrer Länge fesselnd bleibt. Die Aufnahmequalität ist erstklassig und fängt die ganze Pracht des Orchesters ein.

Die Chicago-Aufnahme von Bruckner 7 steht in einer Reihe von Haitinks zahlreichen Einspielungen dieses Werks. Seine frühen Aufnahmen mit dem Royal Concertgebouw Orchestra in Amsterdam, die in den 1960er und 70er Jahren entstanden, sind von einer gewissen Strenge geprägt. Sie spiegeln Haitinks anfänglichen, mehr auf die Architektur der Musik ausgerichteten Ansatz wider. Spätere Aufnahmen, wie die mit den Wiener Philharmonikern oder dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, zeigen eine größere lyrische Freiheit und emotionalere Wärme. Die Wiener Aufnahme (1992) ist zum Beispiel bekannt für ihren geschmeidigen und fast schon wienerisch-charmanten Klang.

Die Chicago-Einspielung von 2006 kann man vielleicht als Höhepunkt dieser Entwicklung sehen. Sie vereint die strukturelle Klarheit seiner früheren Aufnahmen mit der emotionalen Reife und lyrischen Tiefe, die er sich im Laufe seiner Karriere angeeignet hat. Sie ist somit eine Art Zusammenfassung von Haitinks gesamter Bruckner-Deutung und bietet eine ausgewogene, überzeugende Deutung innerhalb des breiten Angebots an Bruckner-Einspielungen.

Viele Grüße
Frank

Aram Khachaturian (1903-1978)
Symphonie Nr. 1
+ Tänzerische Suite
Robert-Schumann-Philharmonie, Frank Beermann
CPO,Aufnahmejahr ca.: 2014, Erscheinungstermin: 27.8.2024

Aram Khachaturians 1. Symphonie ist ein echtes Frühwerk – 1934 komponiert, noch bevor er mit „Spartacus“ oder dem „Säbeltanz“ endgültig zum klingenden Aushängeschild Armeniens wurde. Man hört ihr an, dass der junge Komponist damals noch zwischen sowjetisch verordnetem Pathos, eigener Neugier auf westliche Spätromantik und der armenischen Volksmusik, mit der er aufwuchs, schwankte. Herausgekommen ist eine farbenreiche, oft ungestüm vorwärtstreibende Musik, die einerseits an Schostakowitsch’ Frühwerke erinnert, andererseits schon die typischen Khachaturian-Klänge in den Blechfanfaren und tänzerischen Rhythmen vorwegnimmt. Besonders reizvoll ist, dass sich neben all dem Bombast auch lyrische Inseln finden – ein Oboensolo hier, eine feine Streicherpassage dort –, die zeigen, wie sehr Khachaturian Klangfarben auszukosten wusste.

Frank Beermann und die Robert-Schumann-Philharmonie stürzen sich mit hörbarer Lust in dieses ungestüme Werk. Beermann legt die rhythmischen Kontraste klar frei, lässt das Orchester pointiert akzentuieren und scheut sich auch nicht, die wuchtigen Tutti satt auszukosten. Der Klang der CPO-Produktion ist angenehm transparent, so dass die feinen Binnenstimmen, etwa im Holz, nicht untergehen. Die „Tänzerische Suite“ auf der CD ist ein passender Kontrapunkt: hier dominiert das folkloristische Element, oft mit scharfkantiger Perkussion und tänzerischen Gesten, die an spätere Ballette denken lassen.

Insgesamt ist die Aufnahme ein Plädoyer dafür, Khachaturian nicht nur auf die berühmten Showstücke zu reduzieren. Gerade die Symphonie Nr. 1 zeigt, wie ernsthaft und ambitioniert er seine ersten Schritte als Symphoniker ging – und Beermann gelingt es, diesen jugendlichen Überschwang genauso wie die eleganteren Passagen überzeugend einzufangen. Eine lohnende Wiederentdeckung.

Viele Grüße
Frank

boltwoodit (Beitrag #32116) schrieb:

Mars_22 (Beitrag #32112) schrieb: boltwoodit (Beitrag #32111) schrieb: Na prima, nun habt ihr es geschafft, dass auch noch drei Einspielungen der Turangalila-Sinfonie auf meinem Wunschzettel gelandet sind :D Vorsicht, das ist kein Stück dass man überhaupt unbedingt haben muss, geschweige denn 3x Das ist eher ein merkwürdiges Kraut am Wegesrand, dass man mal mitnimmt :D OK, Danke für die "Warnung"; eine ist schon bestellt (City of Birmingham SO, Rattle), wenn mir das "nix is", fliegen die anderen beiden natürlich wieder vom Wunschzettel...

Zusammenfassung: Nee, das war mir nix 😊

Aber einmal den Abend mit Moderne angefangen, wollte ich mal sehen, ob ich inzwischen vollständig der Romantik erlegen bin oder Moderne noch „ertrage“. Also gleich das schrillste, dissonanteste Werk aufgelegt, das ich kenne und habe: Prokofjews 2. Sinfonie in dieser Einspielung


Sergej Prokofjiev, 2. Sinfonie, Berliner Philharmoniker, Ozawa

Die zweite wird manchmal als Sinfonie „aus Stahl und Eisen“ bezeichnet; ok, kreischende Kreissägen und Gehämmere auf dem Amboß sind ja auch irgendwie Stahl und Eisen. Vom u.a. Metal, Crust- und Grindcore kommend bilde ich mir ein, einiges gewohnt zu sein – ist hier auch, vor allem im Kopfsatz, recht hilfreich, aber auch nicht wirklich; das, was da, noch dazu in dieser Geschwindigkeit, dargeboten wird, tut meinen Ohren fast schon weh. Immer wenn ich denke, jetzt habe ich es, kommt eine unerwartete Wendung; das „Thema“ scheint kurz greifbar zu sein, wird dann aber wieder brachial gestört bis zerstört (macht er im zweiten Satz auch nochmal). Majakowski – ein russischer Dichter der futuristischen Avantgarde in den 10-er und 20-er Jahren des 20. Jahrhunderts – soll dazu gesagt haben: "Das Ganze muss einen gewaltigen Wirbel veranstalten und einen höllischen Lärm machen." Ja, macht es, sogar noch mehr: für mich ein faszinierender Blick in den innersten Kreis der Hölle, ein konvulsivisch zuckender Tanz auf einem ausbrechenden Vulkan, eine Gefangenschaft in der Eiseskälte des Wahnsinns. Im zweiten Satz – der eigentlich viele „Unter-Sätze“ hat, geht es stellenweise etwas ruhiger zu, aber von „Erlösung“ keine Spur; ganz am Ende steht ein elendes Vergehen nach Siechtum, Leid und Schmerz.

In meiner einfachen Denke glaube ich, das ist zum einen ein rein provokatives Werk; Radikalismus mit Kreissäge, Winkelschleifer und Gesenkschmiede auf Speed verdeutlicht, Sehen was geht, doch dabei technisch sicherlich sehr ausgereift und die Musiker und das Dirigat zu Höchstleistungen herausfordernd (Kann man das ohne Partitur, also „aus dem Kopf“ dirigieren? 😊). Zum anderen regt es zum Nachdenken an: wie sind wir (als Menschheit) musikalisch „sozialisiert“, was wäre, wenn DAS „normal“ wäre, woher kommt unser Harmoniebegriff? Naja, viel Spekulation und einfaches Denken 😊

Es gibt wohl noch „kräftigere“ Einspielungen als diese hier, aber dafür, dass ich sie mir nur aller paar Jahre mal anhöre, brauche ich die nicht, aber live würde ich sie mir gern mal anhören. Ich habe es am Anfang mal mit Kopfhörern probiert; nee, es „ging“ nur über Boxen.

Viele Grüße
bolt

EDIT: @Hüb' - Witzig, ich will morgen oder übermorgen über die 3. Sinfonie von Aram Chatschaturjan schreiben, die war gestern nämlich nach Prokofjews 2. "dran"

boltwoodit (Beitrag #32144) schrieb:

EDIT: @Hüb' - Witzig, ich will morgen oder übermorgen über die 3. Sinfonie von Aram Chatschaturjan schreiben, die war gestern nämlich nach Prokofjews 2. "dran" ;)

Super. Ich finde es immer klasse, wenn man die ausgetretenen Pfade mal verlässt...

G.S.Torrente (Beitrag #32140) schrieb:

Was du für den 2. Satz des KK2 beschreibst, ist ja ein Aspekt, für den sich Harnoncourt lebenslang eingesetzt hat: das Wiedergewinnen der alten Meisterschaft dialogisierenden Musizierens, indem er sich aus alten musiktheoretischen Quellen (z.B. Johann Mattheson u.v.a.) eine Art musikalischer Rhetorik erarbeitet und zum Leben erweckt hat, die über das in der Partitur stehende hinausreicht, die über Musikergenerationen hinweg als eine Grundlage gelehrt wurde, entsprechend tief verwurzelt war und dennoch in Vergessenheit geriet.

Interessant! Davon wusste ich garnicht.

G.S.Torrente (Beitrag #32140) schrieb:

Das Rondo-Finale wirkt auf mich hingegen gehetzt, verhuscht, etwas oberflächlich. Dadurch verliert es das Tänzerische und Luftige. Hab ich so noch nicht gehört. Die Darstellung des Rondos widerstrebt mir, ehrlich gesagt.

Das stimmt schon, es gerät ins Gehetzte und Oberflächliche. In seinen guten Momenten hat es durchaus etwas Tänzerisches, kann das aber nicht durchhalten.
Das Gegenteil ich bei mir die fast 2 Minuten längere Version von Gilels mit Jochum. Die ist so langsam, dass sie etwas lahm und tranig wirkt.
Eine gute Mitte trifft Freire mit Chailly. Das ist in der Tat luftig, tänzerisch und glitzert schön in der Lichtern, die das Klavier dem Tutti aufsetzt, ohne jemals lahm zu wirken oder gehetzt. Es gibt sicher einige Weitere, die das gut machen.

klutzkopp (Beitrag #24703) schrieb:

Bei mir darf der olle Johannes auch Vokalmusik. Ich besitze 8 (!) Aufnahmen des Deutschen Requiems. Aber die Altrhapsodie, das Schicksalslied und die Parzen höre ich auch sehr gern. Hier z.B.:

Lustig, weil ich Lust hatte, Brahms Chorwerke zu hören, schwebte mein Finger schon über dem Kaufen-Button, dann habe ich aber doch mal geschaut, ob was ich selbst habe - und siehe da: genau diese Aufnahme. Sogar schon mehrfach gehört. Tja, der Eindruck scheint nicht bleibend gewesen zu sein
Trotzdem, ich freue mich und höre jetzt den Gesang der Parzen.

Heinrich Schütz, Musikalische Exequien, Vox Luminis, Lionel Meunier, 2011

Die CD alleine gibts bei JPC wohl nicht mehr, nur als Teil dieser Box, die sicher bei mir landen würde, wenn ich in D leben würde.



Schütz Trauermusiken, ganz ruhige Chorwerke mit Orgelbegleitung, "soothing" und angenehm.
Aufgenommen in einer kleinen Kirche an der Loire, die wohl ideale akustische Verhältnisse für solche Zwecke bietet.

Mars_22 (Beitrag #32148) schrieb:

Heinrich Schütz, Musikalische Exequien, Vox Luminis, Lionel Meunier, 2011

Das klingt interessant, aber ich kaufe ja keine Boxen mehr ... Kann man das nicht streamen ?

Hier sind ein paar ältere Promo-Press-Kits an mich gelangt, darunter das gezeigte zu Yuja Wang - Sonatas & Etudes (DGG 2009). Das war wohl ihr DGG-Debüt. Ich höre gerade die beiliegende CD. Naja, Klavier spielen kann Frau Wang. Die Chopin- Sonate bringt sie ganz passabel, mal sehen wie es mit Scriabin und Liszt weitergeht ...

Aram Khachaturian (1903-1978)
Symphonie Nr. 3 "Simfoniya A-Poema"
+ Gayaneh-Suite Nr. 3
Robert-Schumann-Philharmonie, Frank Beermann
CPO, Aufnahmejahr ca.: 2015, Erscheinungstermin: 24.4.2023

Khachaturians Dritte Symphonie trägt nicht umsonst den Beinamen „Sinfonie-Poem“ – eigentlich ist sie weniger klassische Sinfonie als eine groß dimensionierte Festmusik. 1947 zum 30. Jahrestag der Oktoberrevolution komponiert, setzt sie auf maximale Strahlkraft: Orgel, 15 Trompeten, martialische Rhythmen und fanfarenartige Themen. Das Ergebnis ist ein Stück zwischen hymnischer Überwältigung, sowjetischem Pomp und doch typisch khachaturianischer Farbigkeit – man hört die orientalischen Wendungen, die glühenden Streicherflächen und die rhythmische Energie, die ihn auch im Ballett so unverwechselbar macht. Ganz große Kunst im traditionellen Sinne ist das vielleicht nicht, aber es ist ein Klangereignis, das schon durch seine pure Wucht fasziniert.

Frank Beermann und die Robert-Schumann-Philharmonie gehen die Partitur mit viel Ernst und Genauigkeit an, ohne dabei den Spaß am Spektakel zu verlieren. Gerade die Blechbläser wirken präsent und kraftvoll, ohne ins Schrille abzurutschen, und die Orgel fügt sich eindrucksvoll ins orchestrale Gesamtbild. Man merkt, dass Beermann hier nicht nur ein historisches Dokument abliefert, sondern tatsächlich versucht, die Mischung aus Festmusik und groteskem Farbenrausch hörbar zu machen.

Als Kontrast dazu die Suite Nr. 3 aus „Gayaneh“: Hier zeigt Khachaturian seine andere Seite – tänzerisch, leichtfüßig, voller schillernder Rhythmen und eingängiger Melodien. Beermann lässt das Orchester mit Schwung musizieren, ohne die Musik in bloße Folklore abgleiten zu lassen. Gerade in den lyrischen Momenten kommen Wärme und Transparenz schön zur Geltung.

Eine Aufnahme, die Khachaturians oft unterschätzte sinfonische Sprache ins rechte Licht rückt: zwischen Sowjet-Repräsentation und feuriger Kaukasus-Energie, zwischen Pathos und tänzerischem Drive. Perfekt für alle, die mal abseits von „Säbeltanz“ und „Masquerade“-Walzer hören wollen, was dieser Komponist noch zu bieten hat.

Die Khachaturian-Serie auf CPO umfasst mittlerweile alle 3 Sinfonien sowie die Konzerte für Violine, Cello und Klavier und erscheint mir qualitativ wirklich sehr gelungen. Eine absolut verdienstvolle Reihe ist hier entstanden, denn es gibt kaum mal moderne Einspielungen dieser Werke.

Viele Grüße
Frank

Heinrich von Herzogenberg (1843-1900)
Cellosonaten Nr. 1-3
Claudius Herrmann, Saiko Sasaki
CPO, Aufnahmejahr ca.: 1999, Erscheinungstermin: 13.5.2001

Heinrich von Herzogenberg ist so ein Name, der immer wieder in den Fußnoten der Musikgeschichte auftaucht – als Brahms-Freund, als Dirigent, als Musikpädagoge. Dass er aber auch Kammermusik von beachtlichem Format hinterlassen hat, zeigen seine drei Cellosonaten sehr schön. Sie bewegen sich stilistisch tatsächlich im Dunstkreis von Brahms, ohne sich in bloßer Nachahmung zu verlieren: Es gibt die herbstlich-dunklen Farben, den dichten Klaviersatz, die gewichtigen Kopfsätze – aber auch einen feinen Zug ins Lyrische, einen Hang zu kantabler Schlichtheit, der den Werken eine eigene Stimme gibt. Man merkt, dass Herzogenberg für das Cello ein gutes Gespür hatte: Das Instrument darf singen, schwärmen, aufblühen, und das Klavier ist nicht bloß Begleiter, sondern gleichwertiger Partner.

Die Einspielung von Claudius Herrmann und Saiko Sasaki bei CPO ist in diesem Sinne eine kleine Schatzhebung. Herrmanns Ton ist präsent, warm und getragen, ohne ins Schwärmerische zu kippen, und Sasaki legt einen Klavierpart darunter, der mit klarem Anschlag und feiner Phrasierung die Brahms-Nähe zwar hörbar macht, das Ganze aber nie schwerfällig wirken lässt. So entsteht eine Interpretation, die die Werke ernst nimmt, aber auch ihr Charme-Potenzial ausspielt – man kann hier sowohl tief eintauchen als auch einfach entspannt zuhören. Und genau das ist vielleicht das Schönste an dieser Aufnahme: Sie macht Lust, Herzogenberg nicht nur als Brahms’ Schatten zu sehen, sondern als Komponisten mit eigenem Wert.

Sonate Nr. 1 in a-Moll (op. 52, 1878)
Die erste Sonate ist vom Geist Brahms’ ganz durchzogen: ein markanter Kopfsatz mit dichten Klavierakkorden und einer Cello-Stimme, die eher heroisch als verspielt wirkt. Gerade im Mittelsatz zeigt sich aber schon Herzogenbergs Eigenart – da schimmern liedhafte Melodien durch, beinahe schubertisch, mit einer ganz feinen Empfindung. Das Finale hat Schwung und Dramatik, ohne ins Bombastische abzurutschen. Herrmann und Sasaki betonen diese Mischung aus Kraft und Innigkeit sehr ausgewogen, so dass die Sonate nie akademisch klingt.

Sonate Nr. 2 in D-Dur (op. 64, 1886)
Die zweite Sonate wirkt deutlich gelöster und heller. D-Dur strahlt, und das hört man sofort: das Cello darf singen, das Klavier hat tänzerische Bewegungen, es entsteht mehr Dialog und weniger Monument. Hier ist Herzogenberg näher an Mendelssohn als an Brahms, jedenfalls im Charakter. Besonders reizvoll ist das Scherzoartige, das Leichte – eine willkommene Abwechslung zu allzu gewichtigen Spätromantik-Klischees. In der Aufnahme tragen die Interpreten diesem Charakter Rechnung: Das Cello klingt flexibler, das Klavier federnder, fast beschwingt.

Sonate Nr. 3 in e-Moll (op. 94, 1894)
Die dritte Sonate wirkt am „modernsten“ – nicht im Sinn avantgardistischer Kühnheiten, sondern durch eine gesteigerte Expressivität. Die Themen sind kantabler, die Harmonik dehnt sich stärker aus, es gibt mehr sehnsuchtsvolle Linien. Das Ganze hat etwas Drängendes, Persönliches, fast eine Art Spätstil-Tonfall. Hier entfalten Herrmann und Sasaki eine große Spannweite zwischen innigem Singen und energischem Zugriff – man spürt förmlich die Erfahrung der Interpreten mit dem spätromantischen Repertoire.

Unterm Strich kann man sagen: Die drei Sonaten bilden so etwas wie einen Bogen vom gewichtigen Brahms-Nachklang hin zu einem persönlicheren, freieren Tonfall. Die CPO-Aufnahme fängt das mit Wärme und Klarheit ein – und macht neugierig auf weitere Kammermusik Herzogenbergs, die ja im Schatten der großen Namen viel zu lange übersehen wurde (und die gleichfalls bei CPO aufgenommen wurde).

Viele Grüße
Frank

Hier ein Neuzugang in meiner Sammlung:

Einer der wohl unumstrittenen Greatest Klassikhits - Dvoraks Cellokonzert Op. 104 - mit „Slava“ Rostropowitsch und Ozawa/BostonSO



Das Orchester klingt nach meinem spontanen ersten Eindruck schlanker als in der sehr populären Aufnahme mit Karajan.

Klangqualität und Transparenz sind schon mal sehr gut.

Und „Slava“ am Cello ist über jeden Zweifel erhaben

Definitiv. Aber es gibt einfach so viele gute Einspielungen dieses Klassikers.
Queyras bleibt mein Favorit.

Queyras habe ich auch. Aber länger nicht mehr gehört.

Leicht möglich, dass auch ich Queyras favorisieren würde. In der Spitzengruppe ist er gewiss. Mit Dvoraks Cellokonzert bin ich tatsächlich überraschend breit bedient für meine Verhältnisse - es dürfte bereits die Zweistelligkeit erreicht sein. Doch freilich müsste ich im unmittelbaren Vergleich hören für ein genaueres Urteil und das ist mir im Moment zu viel.

Aber der Appetit könnte schon kommen!

Das ist ein so großartiges Konzert! Daher aber leider auch mit dem Potential des "Tothörens"...

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Violinsonaten BWV 1021,1023,1024
+ Sonate g-moll für Violine & obligates Cembalo (nach der Gambensonate); Sonate G-Dur BWV 1019a für Violine & obligates Cembalo (Frühfassung); Fuge g-moll BWV 1026 für Violine & Bc
Isabelle Faust, Kristian Bezuidenhout, Kristin von der Goltz
Harmonia Mundi, Aufnahmejahr ca.: 2024, Erscheinungstermin: 29.8.2025

Herzogenberg und Khachaturian haben wundervolle Musik geschrieben, auf dem Gipfel sieht es dann aber doch noch anders aus...

Die brandneue CD „Johann Sebastian Bach: Sonatas for Violin and Continuo“ mit Isabelle Faust (Violine), Kristian Bezuidenhout (Cembalo) und Kristin von der Goltz (Violoncello) ist einfach ein Geschenk für die Sinne. Auf Harmonia Mundi, erschienen am 29. August 2025, glänzt dieses Trio mit einem ebenso spritzigen wie fein durchdachten Programm – von BWV 1021 über die klangvolle Durchleuchtung des BWV 1023 bis hin zur geheimnisvollen Fugato-Welt von BWV 1026 inklusive der Frühfassung der G-Dur-Sonate BWV 1019 a.

Isabelle Fausts Spiel besticht durch eine unvergleichliche Ton-Schönheit und melodische Leichtigkeit, wie Jon Sobel in Blogcritics begeistert bemerkt: „For sweetness of tone and melodic fluency few violinists can match Isabelle Faust“ – und das im perfekten Dialog mit ihren Mitmusikern. Gerade die Kombination aus zarter Eleganz und unverkrampftem Drive macht dieses Bach-Erlebnis so lebendig. Jeder Ton ist ein Erlebnis.

Der Largo aus BWV 1021 etwa verströmt eine melancholische Fragilität, die bis ins Innerste berührt, während die Adagio-Passage aus BWV 1023 „luxuriös, fast schon schokoladig“ glänzt – dank Bezuidenhouts filigranen Akkorden, die Fausts Violine wie ein Flussbett tragen. Und die Fuge in g-moll BWV 1026 zeigt, wie Kristin von der Goltz mit ihrem Cello ebenso virtuos wie kontemplativ Farbe ins Spiel bringt.

Diese Aufnahme fühlt sich an wie ein tiefer Tauchgang in Bachs musikalischen Kosmos – beim ersten Mal beeindruckend, beim zweiten Hinhören offenbaren sich die ausgefeilten Kontrapunkte, die Balance zwischen Spannung und Gelassenheit, zwischen ekstatischer Hingabe und fein abgestimmter Zurückhaltung.

Absolut hörenswert, selbst wenn x andere Deutungen im Regal stehen.

Viele Grüße
Frank

Boris Papandopulo (1906-1991)
Sämtliche Streichquartette
(Nr. 1 op. 7; Nr. 2 op. 20; Nr. 3 op. 126; Nr. 4 verschollen; Nr. 5; Nr. 6); A Song of Peace and Freedom sounded out für Streichquartett
+ Klarinettenquintett op. 90; Gitarrenquartett
Davorin Brozic, Kresimir Bedek, Sebastian String Quartet
CPO, 3 CDs, Aufnahmejahr ca.: 2022, Erscheinungstermin: 5.12.2023

Saitengekratze - aber recht Harmonisches.

Boris Papandopulo ist hierzulande nach wie vor so etwas wie ein Geheimtipp, dabei gehört er zu den spannendsten Stimmen der kroatischen Moderne. Seine sechs Streichquartette (das vierte gilt als verschollen) zeigen eindrucksvoll, wie er zwischen folkloristischer Bodenhaftung, rhythmischer Schärfe und spätromantischer Klangfülle balanciert. Mal blitzt eine fast tänzerische Leichtigkeit auf, mal bäumt sich das Ensemble zu eruptiver Expressivität auf – Papandopulo verstand es meisterhaft, volksmusikalische Wendungen in eine moderne, aber nie verkopfte Sprache einzubinden. Besonders das frühe Erste Quartett mit seiner schwungvollen Melodik wirkt erstaunlich frisch, während das späte Dritte (op. 126) mit herber Konzentration und energischer Rhythmik beinahe in die Nähe von Schostakowitsch gerät.

Das Sebastian String Quartet bringt diese Facetten mit Verve und klarem Zugriff zum Klingen – energisch, aber nie grob, mit feinem Gespür für die kantablen Linien. Die zusätzlichen Werke erweitern das Bild noch einmal: Das Klarinettenquintett op. 90 zeigt Papandopulos Sinn für kammermusikalische Farbigkeit, während das Gitarrenquartett – dank Kresimir Bedek – einen mediterranen Schimmer hineinträgt. Auch „A Song of Peace and Freedom sounded out“ für Streichquartett fügt sich als eine Art poetisches Bekenntnisstück ein, voller warmer Gesten.

Wenn man sich durch die sechs erhaltenen Streichquartette Boris Papandopulos hört, begegnet man einem faszinierenden Panorama kroatischer Moderne, das zwischen mediterraner Leichtigkeit und mitteleuropäischer Strenge changiert. Das frühe Erste Quartett op. 7 ist noch ganz von jugendlicher Frische geprägt, voller schwungvoller Melodien, die sofort ins Ohr gehen. Hier lohnt es sich, auf die tänzerischen Rhythmen zu achten, die fast wie kleine Volkstänze wirken, eingebettet in eine noch spätromantische Klangwelt. Das Zweite Quartett op. 20 geht schon einen Schritt weiter: es ist kompakter, rhythmisch markanter und zeigt Papandopulos Fähigkeit, Spannung durch Kontraste zu erzeugen – mal zupackend, mal lyrisch zurückgenommen.

Mit dem Dritten Quartett op. 126 erreicht er eine neue Ebene der Verdichtung. Hier spürt man die Nähe zu Bartók und Schostakowitsch, nicht in direkter Nachahmung, sondern in der Art, wie der Klang kerniger, härter wird, wie die Rhythmik nervöser pulsiert. Besonders im langsamen Satz entfaltet sich eine eindringliche, fast spröde Klangsprache, die an Schostakowitschs existentielle Tiefe erinnert, aber durch Papandopulos mediterrane Tonalität aufgehellt wird. Von den späteren Werken ist das Sechste Quartett besonders reizvoll, weil es das ganze Spektrum seines Idioms noch einmal bündelt: hier begegnen sich tänzerische Motive, volksmusikalische Anklänge und eine moderne, aber nie akademische Struktur.

Dazu kommen reizvolle Ergänzungen: das Klarinettenquintett op. 90, das mit seinem schwebenden Dialog zwischen Klarinette und Streichern eine farbige Klangpalette eröffnet, und das Gitarrenquartett, das – mit Kresimir Bedek als Partner – eine ganz eigene mediterrane Aura hineinträgt.

Im Vergleich zu seinen Zeitgenossen lässt sich sagen: Papandopulo ist weniger kompromisslos als Bartók, weniger schwermütig als Schostakowitsch und weniger polyphon verschachtelt als Martinu – dafür unmittelbarer, melodisch direkter, rhythmisch oft kantiger. Seine Quartette wirken dadurch nicht wie schwergewichtige Monumente, sondern wie vitale, atmende Organismen, in denen Volksnähe und Moderne Hand in Hand gehen.

Die CPO-Aufnahme ist, wie man es von dem Label kennt, klar und präsent eingefangen – kein Hallzauber, sondern unmittelbare Nähe, die den lebendigen Zugriff der Musiker hervorragend transportiert. Eine Veröffentlichung, die nicht nur für Spezialisten interessant ist, sondern auch für alle, die neugierig auf die lebendige Vielfalt der europäischen Quartettliteratur jenseits der üblichen Klassiker sind.

Viele Grüße
Frank

Hüb' (Beitrag #32150) schrieb:

Aram Khachaturian (1903-1978) Symphonie Nr. 3 "Simfoniya A-Poema" + Gayaneh-Suite Nr. 3 Robert-Schumann-Philharmonie, Frank Beermann CPO, Aufnahmejahr ca.: 2015, Erscheinungstermin: 24.4.2023

Hammse mal `ne halbe Stunde? Dann lade ich Sie ein zu einer Reise in ein Land, das es nicht mehr gibt (keine Nostalgie, keine Sentimentalität), in eine Zeit, die von Hoffnung, Aufbruch und staatlichen Repressionen gekennzeichnet war und in Verhältnisse, in denen sich u.a. Künstler von Tribunalen hinsichtlich ihrer Gesinnung prüfen lassen mussten. Nein, ich rede nicht von der McCarthy-Ära, sondern von den „Tagen des Donners“ in der Sowjetunion, als sich u.a. auch Schostakowitsch und Prokofjew von staatlichen Kulturfunktionären niedermachen lassen mussten und gezwungen waren, sich anschließend auch noch „selbstkritisch“ zu geißeln. Aram Chatschaturjan wäre davon fast verschont geblieben; auch er hatte, neben seinen erfolgreichen „volkstümlichen" Stücken, eine Sinfonie zu Ehren des Sieges im Großen Vaterländischen Krieg geschrieben; die Sinfonie Nr. 2 (Sinfonie „mit der Glocke“), also ähnlich wie Schostakowitsch (Sinfonie Nr. 7) und Prokofjew (Sinfonie Nr. 6); er war mehrfacher Lenin- und Stalinpreisträger usw.. Aber wie das in Diktaturen nun mal so ist – es kann Jeden zu jeder Zeit aus jedem Anlass treffen; bei Chatschaturjan war es seine 3. Sinfonie, der u.a. fehlende Weiterentwicklung des Sozialistischen Realismus bis Kopie westlicher Strömungen vorgeworfen wurde. Die Moskauer Uraufführung floppte und das Werk verschwand für lange Zeit in der Versenkung.

Was hatte Chatschaturjan nun eigentlich komponieren wollen? Zuallererst eine Hymne auf den 30. Jahrestag der Großen Sozialistischen Oktoberrevolution. In seiner „Selbstkritik“ schreibt er sinngemäß, dass es ein Werk werden sollte, das ohne Erklärungen auskommt, das das Gefühl der Freude und des Stolzes (auf die Sowjetunion) vermittelt. Und es sollte die Orgel, ein bisher eher „religiöses Instrument“, in einen weltlichen Kontext einbinden; als quasi letztes Instrument, welches noch nicht „der großen Sache“ gedient hatte.

Eine profunde Einschätzung der (nicht nur 😊) musikalischen Aspekte dieser Sinfonie könnt ihr im Beitrag von Hüb‘ lesen, von dem ich (fast 😊) jedes Wort unterschreiben würde. Nach meinem persönlichen Empfinden ist sie, vor allem wenn man sie mehrmals gehört hat (lief jetzt drei Abende hintereinander bei mir durch 😊), gar nicht so wuchtig, von 15 Trompeten hätte ich jetzt mehr Fanfarengeschmetter (das es natürlich gibt) erwartet, den Schluss finde ich nicht übertrieben; Hüb’s Bild eines Farbrausches auf jeden Fall – für mich(!) aber ohne das Wort grotesk 😊. Vielleicht noch zwei Sätze zur Orgel: in der Eröffnung und wenn später das Thema nochmal kurz aufgegriffen wird, habe ich unweigerlich das Bild eines Verrückten (Bösewichts) vor mir, der wie wahnsinnig geworden prestissimo in die Tasten haut, aber es klingt dabei nie dissonant. Die Orgel tritt oft in den Hintergrund (oder bleibt gleich ganz ruhig 😊) um dann unvermittelt wieder aufzutauchen und z.B. ein ordentliches Bassfundament fürs Orchester zu schaffen.

So, am Anfang fragte ich ja nach `ner halben Stunde; nun haben Sie diesen und Hüb’s Beitrag dazu gelesen, das waren vielleicht fünf Minuten, die restlichen 25 Minuten können Sie ja nun auf die versprochene Reise gehen (es lohnt sich wirklich); länger ist das Stück nämlich nicht.

P.S. Ich beziehe mich auf die gleiche Aufnahme wie Hüb‘ denn so viele andere Einspielungen auf CD gibt es davon nicht (sehr schade) und wenn mal eine (gebraucht) auftaucht, dann zahlt man dafür amtliche Liebhaberpreise.

Viele Grüße
bolt

Besten Dank für deinen Beitrag.
Die Orgel in der 3. wirkte auf mich zumindest ein wenig wie ein Fremdkörper.
Im Vergleich hat mir die 1. Sinfonie besser gefallen. Die 3. wirkte dagegen IMHO etwas weniger inspiriert.
Dennoch dürfte und sollte es mehr Aufnahmen der Sinfonien geben.

Viele Grüße
Frank

Hüb' (Beitrag #32160) schrieb:

... Im Vergleich hat mir die 1. Sinfonie besser gefallen ...

Die Erste ist schon auf dem Weg zu mir (dank dir); an die erinnere ich mich ehrlich gesagt nicht mehr (alle drei liegen iwo als Uralt-LP`s bei mir rum; nur die Dritte hatte ich letztes Jahr als CD nachgekauft); die Zweite werde ich aber wohl aus Gründen außen vor lassen.

Viele Grüße
bolt

Ich habe mich ein paar Tage lang zwischen Renaissance und Barock herumgetrieben und ein paar Aufnahmen aufgetan, über die ich sehr glücklich bin.

Angefangen mit der Spätesten und dem bekanntesten Werk, das hier aber so ungewöhnlich wiedergegeben wird, dass ein Musikerfreund, der zu Besuch war fragte, was das sei, und erschrak, als er hörte, dass es Bachs Kunst der Fuge ist, die er natürlich kennt. Hier aber von 4 Gamben wiedergegeben und so sehr auf homogenes Zusammenspiel ausgerichtet, dass das Werk fast meditativ wirkt, völlig anders, als wenn Solisten es spielen, die ihre Stimme dramaturgisch ausformulieren. Man kann extrem gut allen Stimmen folgen, es ist nie nervig und viel weniger anstrengend, als die Kunst der Fuge sonst (für mich) ist. Bei LINN erschienen, entsprechend gut klingend.



Unter den Vorgängern von Bach im Raum Thüringen und Sachsen sind die drei SCH, Schütz, Scheidt und Schein. 3 Komponisten des 16. und 17. JH, die teilweise miteinander eng befreundet waren. Alle 3 tauchen immer mal auf CDs auf, und ich habe selber schon mehrstimmige Sätze der 3 gesungen. Aber ich hatte in meiner Sammlung keine Einzige CD die jedes Einzelnen Werk würdigt.

Zwei der bekannten Werke von Johann Hermann Schein sind Israels Brünnlein und Opella Nova. Aufnahmen, die die Werke vollständig wiedergeben wollen, finde ich etwas anstrengend. Cantus Cölln hat Teile beider Werke (darunter die hinreißenden "Die mit Tränen säen" und "Ich lasse dich nicht") wie einen Schichtkuchen eingespielt, und genauso lecker



Von Samuel Scheidt habe ich die Ludi Musici ebenfalls altertümlich als Gambenconsort + BC eingespielt mit ähnlich besonderer Wirkung wie o.g. Kunst der Fuge. Wer ein dynamisches Feuerwerk sucht, wird enttäuscht, aber die Aufnahme ist sehr angenehm zu hören.



Von Schütz eine aufwändige, frische, wunderbar farbenreiche und prachtvolle französische Aufnahme mit 22 Sängern und etwa ebensovielen Instrumentalisten mit historischen Instrumenten: Le cris de Paris unter Geoffrey Jourdain. Psalmen Davids und Salomons, sowie Canticum Canticorum.

Frédéric Chopin (1810-1849)
Variationen „Là ci darem la mano" B-Dur op. 2
Bruce Liu (Klavier)
Live-Aufnahmen (Album): Oktober 2021, Nationalphilharmonie Warschau, während des 18. Internationalen Chopin-Wettbewerbs

Schon längere Zeit nicht mehr angehört. Die Einspielung dieses Werks von Claudio Arrau mit dem Eliahu Inbal waren für mich einer der Auslöser dafür, mich stärker für Musik für Klavier (mit und ohne Orchester) zu interessieren. Es gab eine Zeit, da lief die Aufnahme bei mir fast täglich.

Bei der Einspielung des jungen Pianisten Bruce Liu zeigt sich, wie wunderbar die Musik auch dann funktioniert, wenn man das Orchester einfach weglässt. Gefällt mir sehr gut.

Mit freundlichem Gruß
Fabian

Ah, danke für die Anregung. Da ich beides habe, kann ich auch mal quer hören. Habe dieses Werk wahrscheinlich noch nie von Arrau angehört.

Da wünsche ich Dir viel Spaß dabei.


Silvius Leopold Weiss (1687-1750)
Suite für Laute solo a-Moll SW 42/43
Jadran Duncumb (Barocklaute)
Aufnahme: 28. und 29. Januar 2016, Gustav-Mahler-Saal, Kulturzentrum Grand Hotel, Toblach, Südtirol (Italien)

Heute ist nach einer recht anstrengenden Arbeitswoche ein angenehm ruhiger, spätsommerlicher Nachmittag. Die Sonne lacht, es ist weder zu warm noch zu kalt draußen, aber im Moment mag ich lieber Musik hören. Wenn ich mal bewusst Lautenmusik höre, was eher selten vorkommt, dann in Form von Lautenliedern, etwa von John Dowland oder ein paar Madrigale mit Lautenbegleitung. Aber im Moment ist diese Suite für Solo-Laute wirklich angenehm zu hören.

Weiss war ja ein Bro Freund von Bach und wenn sie sich mal getroffen haben, haben sie auch zusammen gejammt.. äh ich meine musiziert.

Mit freundlichem Gruß
Fabian

Mars_22 (Beitrag #32147) schrieb:

klutzkopp (Beitrag #24703) schrieb: Bei mir darf der olle Johannes auch Vokalmusik. Ich besitze 8 (!) Aufnahmen des Deutschen Requiems. Aber die Altrhapsodie, das Schicksalslied und die Parzen höre ich auch sehr gern. Hier z.B.: Lustig, weil ich Lust hatte, Brahms Chorwerke zu hören, schwebte mein Finger schon über dem Kaufen-Button, dann habe ich aber doch mal geschaut, ob was ich selbst habe - und siehe da: genau diese Aufnahme. Sogar schon mehrfach gehört. Tja, der Eindruck scheint nicht bleibend gewesen zu sein Trotzdem, ich freue mich und höre jetzt den Gesang der Parzen.

Ich habe diese CD gerade mal wieder eingelegt und finde die Aufnahmen sehr gelungen.

Auch Herreweghes Deutsches Requiem ist erste Liga, für mich persönlich stimmiger als beide Gardiner-Aufnahmen.

Ich mag die CD auch. Ich war nur verwundert, dass ich sie vergessen hatte

Das muss das Alter sein

Es könnte auch daran liegen, dass er sie bislang noch nicht so toll fand - jetzt aber schon.

Als "In-Between-Scream" oder Haul von Italien ist die nachfolgende Einspielung gut geeignet. Was sicherlich weiter konstatiert werden kann, ist ein abwechslungsreicher Einwurf, der normale Klassik gut supplementiert und die Gehirnströme anregt sowie neu sortiert.

Spaß beiseite: eine hörenswerte Einspielung auf hohem Niveau. Timothy Richards präsentiert schillernde Arien und Ouvertüren und wird dafür vom Minsk Orchestra/Wilhelm Keitel kongenial unterstützt. So schön sind Verdi- und Pucchiniwerke selten. 2* auf hraudio.net kann ich nicht nachvollziehen. Vielleicht wurden die italienischen Komponisten anders erwartet.



Danach laufen die technisch anspruchsvollen Streichquartette von Wilhelm Stenhammar, die vom Stenhammar Quartett super, d. h. imo hochvirtuos umgesetzt wurden. Audiophil ist die BIS-Einspielung sowieso. 5* bei hraudio.net sind imho vollauf gerechtfertigt.

Prokofiev, 3. Sinfonie. Ich habe eigentlich mörderischen Hunger, aber bleibe hängen. So schlecht scheinen Litton und das Bergen Philharmonic Orchestra ihre Sache nicht zu machen.

Eben gehört (meine vermutlich 9. Aufnahme dieses Konzerts):

Maurice Ravel
Klavierkonzert G-dur
+Gaspard de la Nuit;
Sonatine
Martha Argerich,
Berlin PO,
Claudio Abbado
DGG , ADD, 1966/74


Diese Aufnahme unterscheidet sich ausser im Klang nicht sehr von der späteren (1984) mit dem London Symphony Orchestra. Auf jeden Fall vermeidet Argerich Michelangelis Manierismen, v.a. im 2. Satz.

Im grossen Vergleich im Fono Forum 1996 wurde noch Michelangeli empfohlen, gerade wegen seiner sehr persönlichen Deutung, obwohl allgemein und vorsichtig formuliert und nur wenige explizite Wertungen ausgesprochen wurden.


Franz

@Wolfram: Ich finde den Zyklus der Prokofiev-Symphonien von Andrew Litton sogar sehr gut, im Schnitt meine Referenz wie ich hier schon schrieb. 👍

@Franz: Michelangeli war schon gut mit dem Konzert. Ansonsten sind Samson François, Denis Kozhukhin oder jetzt recht neu Seong-Jin Cho meine Favoriten.

Hier aber was ganz anderes: Mozart - Le Nozze di Figaro - Musica Aeterna / Teodor Currentzis - Sony Press Kit 2014. Noch eine Pressemappe mit allen CDs zum Erscheinen der ersten Oper des Da Ponte - Zyklus als Studio-Produktion. Das ist wie so oft bei Currentzis schon erstaunlich direkt, packend und gefühlt authentisch. Man hat das Gefühl, Wolferl würde dazu nicken. Gibt es Meinungen dazu ?

Ein bundesdeutscher Mann hört jetzt keine Klassik sondern guckt Fussball!